Kreuzwege

Von Leid und Hoffnung

Legendäre Leidensgeschichten begegnen sich: Bachs Matthäus-Passion und Andersens Schwefelhölzer-Märchen. Von Anna Vogt

Menschliches Leid geht uns nah. Nachrichten von Kriegen und Krisen vor Ort und weltweit erreichen uns in den eigenen vier Wänden durch die umfassende und ununterbrochene Präsenz verschiedenster Medien. Mit ihnen sind auch die Geschichten ihrer Opfer allgegenwärtig, der Leidtragenden von Konflikten oder Umweltkatastrophen. Wie aber teilt sich solches Leid mit? Und wie geht die Gesellschaft mit dem Leid ihrer Mitmenschen um? Fragen wie diese wurden schon in der Barockzeit und auch in der Musik verhandelt – in der kompositorischen Form der Passion, benannt nach dem lateinischen Begriff für »Leiden«.

Die Passionen jener Zeit, etwa die stilbildenden Werke von Johann Sebastian Bach, reflektierten die Leidensgeschichte Jesu Christi, aber auch die Reaktionen der Menschen auf dieses Leid. Es ging schon damals auch um gesellschaftliche Wahrheiten, nicht ausschließlich um religiöse. Dennoch erscheint die Gattung der Passion durch ihre enge Verknüpfung mit christlichen Überzeugungen heute kaum mehr als eine Randnotiz – in einer Gegenwart, in der die hohe Zahl an Kirchenaustritten von einer Entfremdung zwischen den Menschen und der christlichen Religion zeugt. Insofern war die Entscheidung des US-amerikanischen Komponisten David Lang durchaus bemerkenswert, zu Beginn des 21. Jahrhunderts mit The Little Match Girl Passion eine Zeitreise und zugleich einen künstlerischen Grenzgang zu wagen: Er konfrontierte die Handlung des Märchens vom Kleinen Mädchen mit den Schwefelhölzern des dänischen Dichters Hans Christian Andersen mit der Gattung der Passion – und das im Gewand einer zeitgenössischen, minimalistischen Klangästhetik.

Mystische Visionen im Schein der Flamme

Andersens Märchen aus dem Jahr 1845 hat mit seiner Drastik die Menschen von Anfang an fasziniert und berührt: Ein kleines Mädchen flieht am Silvesterabend vor seinem gewalttätigen Vater auf die Straße, um dort Streichhölzer zu verkaufen. Ohne warme Kleidung und von den Passanten ignoriert, harrt es erfolglos in der Kälte aus und wagt sich nicht nach Hause. Im Schein mehrerer Streichhölzer, die es in seiner Not schließlich entzündet, um sich daran zu wärmen, hat es mystische Visionen von einem behaglich brennenden Ofen, von einer festlich geschmückten Tafel und einem Weihnachtsbaum – und zuletzt von der geliebten, verstorbenen Großmutter. Sie nimmt das Mädchen schließlich zu sich in den Himmel. Sein erfrorener, starrer Körper bleibt am eisigen Neujahrstag zwischen den Häusern auf Erden zurück.

Der einzige Trost in dieser tragischen Geschichte ist der christliche Glaube, der das junge Mädchen bis zuletzt hält und stärkt. Lang formulierte es in einer Einführung zu dem etwa halbstündigen Werk abstrakter: Es gebe in Andersens Märchen »eine Art naives Gleichgewicht zwischen Leid und Hoffnung«. Die Kraft des Stoffs liege darin, dass »das Grauen und das Schöne ständig von ihren Gegensätzen durchdrungen« seien. Gefahr und Mut, Kälte und Wärme, Armut und Reichtum oder auch Kindheit und Alter: Das Märchen spielt subtil mit diesen Gegensätzen. Zugleich ist es auch eine Parabel über das Dazwischen, die Phase des Übergangs: Das alte Jahr weicht dem neuen, das Sterben verbindet Leben und Tod.

Hohe künstlerische und emotionale Qualität

Diese Geschichte inspirierte schon 1897 August Enna zur Vertonung in Form einer Oper, und hundert Jahre später schrieb Helmut Lachenmann ein erfolgreiches Musiktheater nach dem Stoff. Die Komposition von David Lang entstand 2007 als Auftrag der New Yorker Carnegie Hall sowie des Theaters und Konzerthauses von Perth für den Bariton Paul Hillier und sein Vokalensemble Theatre of Voices. Lang erhielt für The Little Match Girl Passion 2008 den Pulitzer-Preis für Musik und 2010 einen Grammy. Dies zeugt von der hohen künstlerischen und emotionalen Qualität der Komposition, die heute zu den am häufigsten aufgeführten Werken der Neuen Musik gehört. Lang, der in Stanford sowie an der University of Iowa und an der Yale University studierte, ist seit 2008 Professor für Komposition an der Yale School of Music. 1987 war er Mitbegründer der einflussreichen New Yorker Projektgruppe Bang on a Can, einem auf Minimal Music und Pop spezialisierten Kollektiv der Neuen-Musik-Szene. Auch durch die langjährige enge Zusammenarbeit mit dem Kronos Quartet gilt der Minimalist David Lang als jemand, der gern über den Tellerrand schaut, Experimente wagt.

Es reizte ihn, das Märchen von Andersen mit der Form der Passion zu konfrontieren. Doch Lang machte deutlich: »In meinem Stück gibt es keinen Bach und keinen Jesus – vielmehr ersetzt das Leiden des kleinen Streichholzmädchens das Leiden Jesu, was (hoffentlich) ihren Kummer auf eine höhere Ebene hebt.« In der Textfassung, die Lang selbst zusammenstellte, kombinierte er Auszüge aus dem Märchen von Andersen in der ersten englischen Übersetzung von H.P. Paulli mit Fragmenten aus Bachs Matthäus-Passion nach Texten von Christian Friedrich Henrici, genannt Picander. Diese Passionstexte kommentieren das Geschehen von Andersens Geschichte als Reaktionen der Gesellschaft – etwa durch Klagen, Bedauern und Mitleid. Diese Reaktionen sind zugleich auch »Markierungen für unsere eigenen Reaktionen auf die Geschichte«, erläuterte der Komponist. Der Effekt: Das Publikum wird zu »mehr als bloß zum Zuschauer der traurigen Ereignisse auf der Bühne«. Durch ihre unterschiedlichen Perspektiven erhält Langs Passion auch eine theatralische Dimension und verwischt die Grenzen zwischen Konzert und Theater.

Genau kalkulierte Klangästhetik

Lang schrieb die erste Version für vier Solostimmen, ein Jahr später entstand die heute zu hörende Fassung für Chor mit Soli. Dazu kommt in beiden Fassungen ein kleines, aber vielfältiges Arsenal an Perkussionsinstrumenten, die von den Sängerinnen und Sängern selbst zu spielen sind, etwa Schellen, Glockenspiel und Röhrenglocken. Dieses karge Instrumentarium zahlt ein auf eine Klangästhetik, die in ihrer Reduktion der musikalischen Mittel genau kalkuliert ist: Die 15 miteinander verbundenen Teile bestehen meist aus kurzen, stark repetitiven musikalischen Sequenzen, die im Verlauf der Komposition wiederkehren. Aus diesen scheinbar einfachen Zutaten entwickeln sich in einem subtilen Gleichgewicht von Statik und Veränderung komplexe Miniaturen des Ausdrucks – Minimalismus par excellence.

Entsprechend der Erzähltechnik einer Passion verwendete Lang für die Passagen, die die Handlung vermitteln, rezitativische Elemente, die an Sprechgesang oder auch ans Predigen erinnern. Die Kommentare und Reaktionen der Gesellschaft dagegen sind in melodischerem, manchmal aufgewühltem Duktus vertont. Doch die Musik verliert nur selten die Nüchternheit, mit der das Schicksal des Mädchens erzählt und reflektiert wird. Diese Nüchternheit trägt bei zum Eindruck des Unausweichlichen und zu einer Atmosphäre des Stillstands, der Hoffnungslosigkeit und der Isolation. Zugleich scheint in diesem intimen Menschheitsdrama die Kälte selbst Einzug in die Musik gehalten zu haben: durch einen manchmal stockend wirkenden Sprechgesang, durch lange Pausen, die eisklaren Töne des Glockenspiels oder insbesondere in der Sterbeszene des Mädchens (Nr. 13) durch ein auskomponiertes Vibrato der Stimmen als eindrückliche Chiffre des Zitterns.

Von eisiger Schönheit

Der elfte Abschnitt, in dem sich im vielfach wiederholten Ausruf »Eli, Eli« (»Mein Gott, mein Gott«) die Verzweiflung des dem Tode nahen Mädchens in großen Intervallen Bahn bricht, ist die wohl deutlichste Verknüpfung dieser Passion mit der Leidensgeschichte Jesu. Auf den zweiten Teil »… lama sabachthani?« (»… warum hast du mich verlassen?«) dieser prophetischen Klage aus Psalm 22 verzichtete Lang allerdings in seinem Werk. Bei Andersen sind das Leiden und der Tod des Mädchens bei aller Tragik letztlich ambivalent. Das Märchen endet beinahe versöhnlich: »Niemand wusste, was sie Schönes erblickt hatte, in welchem Glanze sie mit der alten Großmutter zur Neujahrsfreude eingegangen war!« Doch bei Lang wird deutlich, dass mit dem Tod des Mädchens etwas fehlt in der zurückbleibenden Welt. Wenn die Stimmen schließlich verstummen und nur noch in hohlen, rhythmischen Zellen der Perkussionsinstrumente nachhallen, nehmen Stille und Kälte die Szenerie endgültig ein: reduziert, konzentriert und von eisiger Schönheit.